250 Jahre Amerika bedeutet auch 250 Jahre amerikanische Literatur. In den USA sind in unheimlich viele bedeutungsvolle und bleibende Werke entstanden, in diesem Beitrag wird der Versuch unternommen, für (fast) jedes Jahrzehnt ein beziehungsweise ab dem 20. Jahrhundert zwei einflussreiche Werke vorzustellen.
Eine Liste mit den wichtigsten Büchern US-amerikanischer Autor:innen zu erstellen, ist natürlich zwangsläufig zum Scheitern verurteilt, weil sie nie vollständig sein kann. So fehlen hier beispielsweise Autor:innen wie Don DeLillo, William H. Gass, Joshua Cohen, Fran Ross, Angela Carter, Philip Roth, Salman Rushdie, Truman Capote, Vladimir Nabokov, Joan Didion, James Baldwin, Bret Easton Ellis, Denis Johnson, Chimamanda Ngozi Adichie oder Percival Everett. Sogar Literaturnobelpreisträger wie William Faulkner, Saul Bellow oder Louise Glück fehlen. Und doch ist es eine mit großen Namen gespickte Liste, die zudem den Versich macht, migrantische, indigene und queere Perspektiven mit zu berücksichtigen.
18. Jahrhundert
Phillis Wheatley | Thomas Paine | Olaudah Equiano | Charles Brockden Brown
Phillis Wheatley: Poems on Various Subjects, Religious and Moral (1773)
Lediglich 39 Gedichte – religiöse Meditationen, moralische Reflexionen, Elegien und Alltagsdichtung – umfasst dieses in vielfacher Hinsicht erstaunliche Werk. Es gilt nicht nur als das erste veröffentlichte Buch einer afroamerikanischen Autorin, sondern auch als Meilenstein der amerikanischen Literatur schlechthin. In den »Poems« geht es um Tod und Vergänglichkeit, Glaube und Erlösung, Gleichheit und Menschlichkeit, Freiheit und Sklaverei.
Phillis Wheatley wurde vermutlich in Gambia geboren und im Alter von sieben Jahren versklavt. Der Schneider John Wheatley schenkte sie seiner Frau. Sie erhielt Unterricht in Griechisch, Latein und Geschichte, was den neoklassizistischen Stil ihrer Gedichte erklärt. Lange Zeit wurde ihr dieser Stil von Vertreter:innen der Bürgerrechtsbewegung als Übernahme weißer Kultur vorgeworfen, erst in den letzten Jahren hat sich eine andere Sichtweise durchgesetzt. Weil sie die anerkannten literarischen Formen meisterhaft beherrschte, widerlegte sie das rassistische Weltbild des 18. Jahrhunderts. Die bloße Existenz dieser kunstvollen und anspielungsreichen Poesie einer versklavten Afrikanerin ist bereits ein literarischer und politischer Einspruch, der Autor:innen wie Maya Angelou und Amanda Gorman inspiriert hat. Der Übersetzer Florian Bissig, der 2023 die erste deutschsprachige Gesamtausgabe von Wheatleys Werk vorgelegt hat, spricht in seinem Toledo-Journal zur Übertragung von »Kadenzen mit Sprechkraft«.
Thomas Paine: Common Sense (1776)
Thomas Paines politische Flugschrift »Common Sense« ist eines der folgenreichsten Dokumente der politischen Aufklärung. In klarer Sprache, aber auch mit Leidenschaft und im Vertrauen auf die Kraft der Vernunft erhob der in England geborene Zollbeamte und politische Intellektuelle die Forderung nach der Unabhängigkeit der amerikanischen Kolonien von Großbritannien. Sein Pamphlet gab den entscheidenden Anstoß zur Formulierung der Unabhängigkeitserklärung durch Thomas Jefferson und wurde zu einem Gründungsdokument der modernen Demokratie.
In seinem Traktat greift er nicht nur die britische Monarchie an und ruft zur Unabhängigkeit der amerikanischen Staaten auf, sondern macht auch konkrete Vorschläge zur Bildung eines neuen politischen Systems, das sich auf die Menschenrechte stützen sollte. Unprätentiös und in volksnahem Duktus wurde die Flugschrift unheimlich schnell populär, über 500.000 Exemplare sollen damals kursiert sein. Dank zeitnaher Übersetzungen schaffte es die Schrift schon damals bis nach Europa, wo sie eine Diskussion über Freiheit, Volkssouveränität und Rechtsstaatlichkeit anstieß und die europäische Aufklärung vorantrieb.
Olaudah Equiano: Der interessante Lebensbericht von Olaudah Equiano oder Gustavus Vassa, dem Afrikaner (1789)
Schon im Titel klingt an, dass es sich bei diesem Werk um ein sehr frühes autobiografisches Dokument handelt, dass sich mit den afroatlantischen Lebenswirklichkeiten in den USA befasst. Der Lebensbericht des versklavten Nigerianers Ouladah Equiano gilt längst als Klassiker der Abolitionsliteratur. Als Zehnjähriger wurde er aus seinem nigerianischen Dorf entführt und auf die westindische Insel Barbados verschleppt. Er wurde dutzende Male weiterverkauft, wurde auf Tabakplantagen eingesetzt und in den siebenjährigen Krieg geschickt. Später arbeitete er auf verschiedenen Forschungs- und Handelsschiffen, die ihn ins Mittelmeer, in die Arktis und nach Indien führten.
Equiano erzählt all das in seiner Autobiografie und verbindet dabei seine persönliche Erfahrung mit der politischen Anklage. Equiano erscheint nicht nur als Opfer der Geschichte, sondern Mensch, der das Heft des Handelns in die Hand nimmt. Das ist vorbildlich für die amerikanische Literatur, auch weil dieses Werk durch seine erzählerische Klarheit und seine intellektuelle Souveränität besticht. Die kommentierte Übersetzung von Hans-Joachim Hahn geht zudem auf einige Mythen ein, die um dieses Werk ranken.
Charles Brockden Brown: Wieland oder die Verwandlung (1798)
Charles Brockden Browns »Wieland oder die Verwandlung« ist einer der kühnsten und verstörendsten Romane der frühen amerikanischen Literatur. Vordergründig erzählt das Werk die Geschichte der Familie Wieland, deren scheinbar geordnetes Leben durch rätselhafte Stimmen, religiösen Fanatismus und eine Serie schockierender Gewalttaten zerstört wird. Doch hinter der Handlung eines psychologischen Schauerromans verbirgt sich eine tiefere Untersuchung der Frage, wie leicht Vernunft, Glaube und persönliche Freiheit ins Wanken geraten können.
Die eigentliche Innovation von Browns Werk liegt darin, die europäische Gothic Novel mit den Konflikten der jungen amerikanischen Nation zu verbinden. Nicht übernatürliche Mächte, sondern Selbsttäuschung, Manipulation und die Sehnsucht nach absoluter Gewissheit formen hier eine angsteinflössende Bedrohung. Brown schreibt nicht über den Horror des Unbekannten, sondern über die Abgründe des menschlichen Bewusstseins. Der Roman gilt als Wegbereiter des psychologischen Erzählens, wie es Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne oder Herman Melville später praktizierten. »Wieland« ist ein früher amerikanischer Klassiker des Unbehagens, der vorführt, was passiert, wenn Wahn mit höheren Wahrheiten verwechselt wird. Die Aktualität liegt auf der Hand, dennoch fehlt eine aktuelle deutschsprachige Ausgabe.
Das 19. Jahrhundert
Washington Irving | Catharine Maria Sedgwick | James Fenimore Cooper | Ralph Waldo Emerson | Walt Whitman | Henry David Thoreau | Harriet Ann Jacobs | Mark Twain | Helen Hunt Jackson | Charles W. Chesnutt
Washington Irving: Skizzenbuch (1819)
Dieses Buch hat seinen Ursprung nicht in Amerika, sondern in England. Eine Reise hatte den amerikanischen Schriftsteller Washington Irving dorthin gebracht. Das »Skizzenbuch« verbindet deshalb Reisebilder und Charakterstudien, enthält aber auch Essays und Erzählungen, in denen der Ton des Flaneurs auf die Präzision eines Stilisten trifft. Das Ergebnis (hier im Gutenberg Projekt einsehbar) ist keine buntes Potpourri, sondern ein literarischer Teppich, dessen Eleganz den Blick auf Amerika und aus Amerika formt.
Berühmt blieb das relativ früh von Adolf Strodtmann komplett übersetzte Werk vor allem durch die Erzählungen über den freundlichen Familienvater »Rip Van Winkle« und der düster romantischen Legende von »Sleepy Hollow« (gerade von Eike Schönfeldt neu übertragen). Die beiden Erzählungen gelten als Gründungstexte für die amerikanische Kurzgeschichte, auch weil es Irving mit wenigen Worten gelingt, Atmosphäre zu schaffen. Seine Landschaftsbeschreibungen haben eine frappierende Anschaulichkeit, auch weil er auf die Beobachtung im Kleinen vertraut. Seine Ironie ist ohne Zynismus, seine Melancholie ohne verklärende Wehmut. Dieser Prosa wohnt eine zeitlose Gelassenheit inne.
Catharine Maria Sedgwick: A New-England Tale (1822)
Als Tochter eines Politikers schrieb Catharina Maria Sedgwick als bereits über amerikanische Stoffe und Schauplätze, als viele Autor:innen noch europäischen Traditionen folgten. Sie begründete die Tradition des amerikanischen Gesellschafts- und Familienromans und beeinflusste Autor:innen wie Harriet Beecher Stowe. In »A New-England Tale« erzählt sie die Geschichte der jungen Waise Jane Elton, die nach dem Tod ihrer Eltern zu ihrer streng religiösen Tante kommt. Jane muss lernen, dass in dieser Welt religiöse Dogmen mehr gelten als Menschlichkeit und Mitgefühl.
Statt nach Heldengeschichten der jungen Nation zu suchen, schreibt Sedgwick klar, unprätentiös und von feiner Ironie durchzogen über den Alltag der kleinen Leute, deren Leben mehr über die moralischen Zustände in den USA aussagen als die wohlfeilen Kanzelreden der puritanischen Prediger. Dabei entwirft sie eine am Leben geschulte Ethik der Humanität und war damit ihrer Zeit weit voraus. Eine demokratische Gesellschaft, so macht Sedgwick deutlich, beruht auf Empathie, Selbstprüfung und der Bereitschaft, Gewissheiten zu hinterfragen. Umso beklemmender, dass ihr Werk in deutscher Sprache nahezu unsichtbar ist.
James Fenimore Cooper: Der letzte Mohikaner (1826)
Längst zum geflügelten Wort geworden, ist »Der letzte Mohikaner« einer der bekanntesten Indianer- und Abenteuerromane der Weltliteratur, der bis heute Vorstellungen von der US-Grenzregion und indigenen Figuren prägt. James Fenimore Coopers packende Schilderung einer Irrfahrt durch den amerikanischen Urwald hat Generationen von Leser:innen begeistert und ist mehrfach verfilmt worden.
Cooper verwandelt in seinem Roman die amerikanische Wildnis in eine Bühne, auf der der Zusammenstoß von Kulturen, moralische Konflikte, Loyalitäten und der unaufhaltsame Untergang der indigenen Welt aufgeführt wird. Der Lederstrumpf-Roman, zuletzt 2013 in der großartigen Neuübersetzung von Karen Lauer erschienen, ist eine elegische Abschiedserzählung, in der jeder Sieg bereits den Keim des Verschwindens in sich trägt. Deshalb wirkt der Roman auch bis heute nach. Er ist Gründungsmythos und Totenklage zugleich, ein Werk, das Amerika nicht nur erfindet, sondern den Preis dieser Erfindung unvergesslich macht.
Ralph Waldo Emerson: Natur (1836)
Ralph Waldo Emerson entwickelt in »Natur« die Grundgedanken des Transzendentalismus. Er beschreibt die Natur nicht nur als äußere Welt, sondern als lebendige Quelle von Erkenntnis, Freiheit und geistiger Selbstbestimmung. Für Emerson ist die Natur ein Spiegel des Geistes und ein Zugang zu einer tieferen Wirklichkeit. Der Mensch könne nur durch unmittelbare Erfahrung zu Einsicht gelangen – ein Gedanke, der bis heute durch Literatur, Umweltdenken und demokratische Kultur nachhallt. In seinem Text verbindet er philosophische Reflexion mit poetischer Sprache und lädt dazu ein, die Welt bewusster wahrzunehmen.
Die 1836 erschienenen Überlegungen zur Natur sind, neben den Schriften von Emersons Schüler Henry David Thoreau, bis heute der bedeutendste amerikanische Beitrag über das Verhältnis des Menschen zur Natur. Statt idyllischer Verklärung stößt man in diesem zuletzt von Harald Kiczka übersetzten Werk auf eine konkrete Auseinandersetzung mit der Welt. Die gebe, so Emerson, erst dann ihre tiefste Bedeutung preis, wenn der Mensch den Mut findet, ihr mit eigenen Augen zu begegnen.
Walt Whitman: Grasblätter (1955)
Der amerikanische Schriftsteller Walt Whitman (1819 – 1892) gilt als Begründer der modernen amerikanischen Dichtung. Er gilt als Homer und Dante Amerikas. Seine prosaischen, freien Verse haben die amerikanische Literatur wie kein zweites dichterisches Werk geprägt. Politisch war er ein leidenschaftlicher Verfechter der amerikanischen Demokratie, er verabscheute die Sklaverei und die Diskriminierung der Frau. In den 1850er Jahren begann Whitman mit der Arbeit an den »Grasblättern«, die er als seine »endgültige Visitenkarte für die kommenden Generationen der Neuen Welt« bezeichnete.
Mit geradezu unstillbarer Leidenschaft schrieb Whitman immer wieder über das Amerika seiner Zeit, ohne dabei die historischen Wurzeln einerseits sowie die in der Zukunft liegenden Chancen andererseits aus dem Blick zu verlieren. Jürgen Brôcan hat die »Grasblätter« 2009 erstmals komplett zusammengetragen und fehlerhafte Übersetzungen korrigiert. Seine Gesamtausgabe zeigt eindrucksvoll, wie Whitman den Aufbruch seiner Nation mit der Feder in der Hand begleitete.
Henry David Thoreau: Walden (1854)
Was ist im Leben wirklich von Bedeutung? Um dies herauszufinden, kehrte Henry David Thoreau vor über hundertfünfzig Jahren der Zivilisation den Rücken und zog hinaus in die Stille der Wälder. Am Walden-See in Concord, Massachusetts, verbrachte er zwei Jahre in einer selbst gebauten Holzhütte, um »zu sehen, ob ich nicht lernen könne, was es zu lernen gibt, damit mir in der Stunde des Todes die Entdeckung erspart bleibe, nicht gelebt zu haben«.
In seinem Selbsterfahrungsbericht »Walden« legt er Zeugnis von seiner Suche ab: mit sensiblen, poetischen Naturbeschreibungen und dem glaubhaften Plädoyer für echte Naturverbundenheit und ein selbstbestimmtes Dasein. Längst ist dieses Buch zu einem Klassiker der Climate Fiction geworden, in der man die besten Argumente für Nachhaltigkeit, Ökologie, Vegetarismus und Minimalismus findet. Ein Klassiker von enormer Brisanz: ein leidenschaftliches Plädoyer für Verantwortung, Selbstbestimmung und ein naturnahes, ressourcenschonendes Leben.
Harriet Ann Jacobs: Incidents in the Life of a Slave Girl (1861)
Dieses autobiografische Werk gehört zu den bedeutendsten Texten der amerikanischen Literatur und der Abolitionsbewegung. Die deutsche Übersetzerin und Autorin Nicole Seiffert führt sie in ihrem Buch »Frauen Literatur« als Beispiel dafür an, dass weiblichen Perspektiven im literarischen Kanon lange marginalisiert wurden, obwohl sie historische Erfahrungen sichtbar machen, die männliche Autoren kaum darstellen konnten. Jacobs erzählt in ihrem erschütternden Selbstzeugnis unter dem Pseudonym Linda Brent von ihrer Kindheit in der Sklaverei, der jahrelangen sexuellen Verfolgung durch ihren Besitzer, ihrer verzweifelten Entscheidung, sich sieben Jahre lang auf einem winzigen Dachboden zu verstecken, und ihrem riskanten Weg in die Freiheit.
Im Gegensatz zu den männlichen Sklavenerzählungen oder Phillis Wheatleys gelehrten Gedichten macht Jacobs die traumatischen Erfahrung versklavter Frauen sichtbar: sexuelle Gewalt, Mutterschaft unter Zwang und die permanente Angst um die eigenen Kinder. Bis heute gibt es – abgesehen von zweifelhaften Selbstpublishing-Ausgaben – keine deutschsprachige Ausgabe dieses Werkes, das erstmals die geschlechtsspezifische Erfahrung der Sklaverei benannte und an dem sich Autorinnen wie Toni Morrison, Alice Walker und Maya Angelou orientierten.
Mark Twain: Die Abenteuer des Tom Sawyer / Die Abenteuer des Huckleberry Finn (1876/1884)
Mark Twains »Die Abenteuer des Tom Sawyer« und »Die Abenteuer des Huckleberry Finn« bilden das wohl bedeutendste Doppelporträt einer amerikanischen Kindheit im 19. Jahrhundert und werfen zugleich zwei sehr verschiedene Blicke auf dieselbe Welt. Die Geschichte von Tom Sawyer feiert die Fantasie, den Übermut und die Unbeschwertheit einer Kindheit, Huck Finns Geschichte führt an die moralische Bruchlinie der amerikanischen Gesellschaft, die Freiheit predigt und Sklaverei duldet. Hier kippt das heitere Abenteuer in eine tiefgründige Erkundung des menschlichen Gewissens.
Mark Twain machte in seinem Doppelroman die Umgangssprache, regionale Dialekte und den unverstellten kindlichen Blick zur Grundlage großer Literatur. Besonders Huckleberry Finn gewinnt daraus eine erzählerische Unmittelbarkeit, in der Witz, Satire und moralischer Ernst untrennbar verschmelzen. Ernest Hemingway bemerkte, die gesamte moderne amerikanische Literatur gehe von Huckleberry Finn aus – ein Urteil, dem sich Autor:innen wie William Faulkner, Ernest Hemingway und Toni Morrison anschlossen. Twain bewies, dass aus einem Abenteuerroman große Literatur entstehen kann, die Percival Everett mit Ergänzung der fehlenden Perspektive des versklavten »James« vollendete.
Helen Hunt Jackson: Ramona (1884)
Helen Hunt Jackson erzählt in »Ramona« die Liebesgeschichte ihrer jungen Hauptfigur, die sowohl indigene als auch europäische Wurzeln hat. Sie verliebt sich in Alessandro, einem Mitglied des kalifornischen Luiseño-Volkes. In der Beziehung spiegelt sie die Entrechtung, Vertreibung und Gewalt der indigenen Völker Kaliforniens nach der Annexion durch die Vereinigten Staaten. Der Roman selbst bedient sich an Motiven des viktorianischen Gesellschafts- und Liebesromans, den er aber mit den Mitteln des Journalismus zu einer brutalen Anklage der kolonialen Verhältnisse weitet.
Diese Verbindung aus emotionaler Erzählung und dokumentarischem Impuls machte »Ramona« zu einem der wirkungsvollsten Protestromane des 19. Jahrhunderts. Sein Einfluss auf die indigene Literatur war beträchtlich, aber auch ambivalent, weil er romantisierende Vorstellungen indigener Lebenswelten reproduzierte. Spätere indigene Autor:innen wie Leslie Marmon Silko oder Louise Erdrich knüpften indirekt an den Roman an, ersetzten jedoch den Blick von außen durch selbstbestimmte indigene Perspektiven.
Charles W. Chesnutt: The Conjure Woman (1899)
Dieses Werk der frühen afroamerikanische Moderne ist kein Roman im engeren Sinn, sondern ein kunstvoll komponierter Erzählstrom. Charles W. Chesnutt macht darin den versklavten Julius McAdoo zum Erzähler, der einem weißen Ehepaar Geschichten über Magie, Flüche und Geister präsentiert. Dahinter verbergen sich seine präzisen Erinnerungen an die Gewalt der Sklaverei und ihre Nachwirkungen – jede Erzählung verweist auf historische Wahrheit.
Stilistisch raffiniert stehen den vermeintlich ausgedachten Geschichten die nüchternen Perspektive des weißen Rahmenerzählers gegenüber, dessen vermeintliche Überlegenheit durch die Eloquenz McAdoos permanent unterlaufen wird. Der spricht, wie im der Mund gewachsen ist. Chesnutt verbindet die mündliche Erzähltradition mit subtiler Ironie und psychologischer Genauigkeit. Mit seinem zuletzt von Christiane Agricola übersetzten und nur noch antiquarisch zu beziehenden Roman (dt. »Die Zauberfrau. Sklavenmärchen aus North Carolina«) ebnete er Autor:innen wie Zora Neale Hurston, Ralph Ellison oder Jesmyn Ward den Weg, die Erinnerung, Mythos und Geschichte auf ähnliche Weise miteinander verknüpften.
Das 20. Jahrhundert
Upton Sinclair | Gertrude Stein | Willa Cather | Edith Wharton | F. Scott Fitzgerald | Nella Larsen | John Dos Passos | Zora Neale Hurston | John Steinbeck | Ann Petry | Ralph Ellison | Ernest Hemingway | Harper Lee | Navarre Scott Momaday | Thomas Pynchon | Leslie Marmon Silko | Ursula K. Le Guin | Toni Morrison | Sherman Alexie | David Foster Wallace | Jonathan Franzen | Junot Díaz | Colson Whitehead | George Saunders | Ocean Vuong | Hernan Díaz
Upton Sinclair: Der Dschungel (1905)
Upton Sinclairs »Der Dschungel« ist erzählt vom Absturz des litauischen Einwanderers Jurgis Rudkus in den Schlachthöfen Chicagos. Dabei verstärken sich die literarische Kraft des Textes und die historische Wirkung wechselseitig. Denn Sinclair demonstriert, wie der amerikanische Traum im Zeitalter des aufstrebenden Kapitalismus in ein leeres Versprechen kippt. Chicago wird zu einem sinnbildlichen Schlachthof, in dem Menschen und unwürdigen Bedingungen erbarmungslos wie Vieh behandelt werden und in den Fleischwolf geraten.
Stilistisch verbindet der spätere Literaturnobelpreisträger Sinclair in seinem 1906 erschienenem Enthüllungsroman die Bildhaftigkeit des literarischen Realismus mit der Dringlichkeit investigativer Reportage. Pathos und Polemik bilden dabei stilistische Mittel der politisch-moralischen Zuspitzung. »Der Dschungel«, zuletzt von Ingeborg Gronke übersetzt, ist wieder von enormer Aktualität, weil er die Frage aufwirft, was Freiheit ohne soziale Gerechtigkeit wert ist. Sinclair veranschaulicht die Unanständigkeit der kapitalistischen Märkte und fordert von Staat, Unternehmen und Konsumenten mehr Verantwortung ein. Der Roman wurde nicht nur ein Bestseller, sondern prägte Autoren wie John Steinbeck und James T. Farrell. Und bewies, das Literatur Wirkung haben kann. Die von ihm ausgelöste Empörung führte zur Reformen der Lebensmittelkontrolle.
Gertrude Stein: Drei Leben (1909)
Gertrude Steins »Drei Leben« ist kein richtiger Roman, sondern eine Art Anthologie bestehend aus drei lose verbundenen Erzählungen. Stein schildert in »The Good Anna«, »Melanctha« und »The Gentle Lena« in geradezu nüchternem Ton das Leben dreier Frauen aus der Arbeiterklasse. Die Texte kreisen um Klasse, Geschlecht, Rasse und Macht und geben Menschen eine Stimme, die im Kanon kaum vorkamen: zwei deutsche Dienstmädchen und eine junge Schwarze Frau. Deren Leben besteht aus nicht vielmehr als Arbeit, Liebe, Abhängigkeit, Krankheit und Tod, die die dramatisch äußerst sparsamen Texte vor Augen führen. Aber gerade durch diese Zurückhaltung wird die Tragik gewöhnlicher Existenzen in den sozialen Zwängen der Zeit sichtbar.
Das eigentlich Revolutionäre ist aber der Stil, der Kritiker Frank Edwin spricht in »Stranger than Fiction« davon, dass Stein den amerikanischen Satz erfunden hätte. Sie ersetzt herkömmliche Erzählstrukturen durch einen in sich klingenden Satz – mit Wiederholungen, Variationen und Rhythmus. Psychologische Tiefe entsteht so durch die sprachliche Bewegung an sich – wie auch »The Making of Americans« ein Vorgriff auf den literarischen Modernismus. Steins Prosa hat Autor:innen wie Ernest Hemingway und William Faulkner geprägt, auch die Beat Literature und die Language Poets sind ohne sie kaum denkbar. Umso verwunderlicher, dass sie – abgesehen von einem Lesebuch – kaum übersetzt ist.
Willa Cather: Meine Antonia (1918)
Das zweite Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts prägt der Übergang zum Modernismus. Viele Autor:innen experimentierten mit Form und Sprache, die großen Romane sollten erst in den 20er und 30er Jahren folgen. Willa Cathers Erinnerungsroman »Meine Antonia« ist gerade in seiner sprachlichen Form ein Gründungstext der amerikanischen Moderne. Darin blickt der Erzähler Jim Burden auf seine Kindheit in Nebraska zurück und auf Ántonia Shimerda, die Tochter böhmischer Einwanderer. Während Jim Bildung und gesellschaftlichen Aufstieg sucht, bleibt Ántonia den Entbehrungen ihrer sozialen Lage ausgesetzt. Ihr Vater bringt sich um, sie wächst in armen Verhältnissen auf, wird hintergangen und Mutter eines unehelichen Kindes. Ántonia verlässt dennoch nie ihr Lebensmut. Als Jim sie Jahrzehnte später besucht, muss er erkennen, dass ihn sein beruflicher Erfolg nicht glücklicher gemacht hat als Ántonia.
Cathers zuletzt von Stefanie Kremer übersetzte Prosa verzichtet auf dramatische Effekte und psychologische Überdeutung. Mit präzisen Beobachtungen, stillen Gesten und dem Rhythmus des Erinnerns schafft sie eine fast mythische Atmosphäre, in der sie Fragen von Zugehörigkeit, Geschlechterrollen und dem American Dream aufwirft. Cather entwirft Amerika nicht als Land des Triumphs, sondern als Erinnerungslandschaft, wie man es später bei Annie Proulx oder Marilynne Robinson wiederfindet.
Edith Wharton: Zeit der Unschuld (1920)
Edith Wharton wurde 1920 als erste Frau mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet, 1993 verfilmte Martin Scorsese ihren preisgekrönten Roman »Zeit der Unschuld«. Die Handlung ist im New York der 1870er Jahre verortet. Der junge Anwalt Newland Archer steht kurz vor der Heirat mit der untadeligen May Welland, als Gräfin Ellen Olenska in die Welt der alten Familien zurückkehrt. Zwischen Archer und Olenska entsteht eine heimliche Liebe, die nie offen gelebt werden darf. Nicht Leidenschaft entscheidet über ihr Schicksal, sondern die lautlose Gewalt gesellschaftlicher Konventionen.
Whartons Roman ist ein elegantes Gesellschaftsporträt, so präzise verfasst, als würde sie ein Skalpell führen. Subtil entfaltet sich im vielstimmigen Text, den Andrea Ott zuletzt neu übertragen hat, eine Anatomie der Macht, in der jede Geste mehr verrät als jedes Bekenntnis. »Zeit der Unschuld« gehört zu den großen amerikanischen Gesellschaftsromanen. Seine feine Verbindung von psychologischer Genauigkeit und sozialer Kritik wirkt bis zu Autor:innen wie Richard Yates, Jonathan Franzen oder Siri Hustvedt nach. Wharton zeigt, dass sich Noblesse und Grausamkeit keinesfalls ausschließen – und dass die größte Tragödie nicht das Scheitern der Liebe ist, sondern ihr freiwilliger Verzicht. Der Roman fragt nach der Freiheit der Frauen und untersucht das Verhältnis von Pflicht und Begehren, persönlicher Integrität und sozialem Prestige. Wharton urteilt nie über ihre Figuren, aber zeigt zugleich schonungslos, wie Menschen – auch gegen ihren Willen – zu Komplizen eines Systems werden.
F. Scott Fitzgerald: Der große Gatsby (1925)
Mit schwebender Eleganz, dichter Symbolik und einer präzisen, zugleich melancholischen Sprache entlarvt Francis Scott Fitzgerald in seinem Klassiker »Der große Gatsby« den amerikanischen Traum als Verheißung, die an Gier, Klassenunterschieden und Selbsttäuschung zerbricht. Der Roman erzählt von dem geheimnisvollen Millionär Jay Gatsby, der mit verschwenderischem Reichtum versucht, seine verlorene Liebe Daisy Buchanan zurückzugewinnen. Sein Traum endet aufgrund der gesellschaftlichen Konventionen und menschlichen Illusionen in einer Tragödie.
Erzählt wird diese von Gatsbys Nachbarn Nick Carraway. Mit diesem vielschichtigen Erzähler schafft Fitzgerald Distanz und Ambivalenz, während er über atmosphärische Motive Sehnsucht und Vergänglichkeit in den Roman bringt. Erst im vergangenen Jahr hat Bernhard Robben eine eindrucksvolle Übersetzung des Klassikers vorgelegt. Bis heute prägen F. Scott Fitzgerald und sein bekanntester Roman die westliche Kultur. Autor:innen wie Donna Tartt, Haruki Murakami, Jay McInerney, Jonathan Franzen und Bret Easton Ellis beziehen sich in ihrem Werk direkt und indirekt auf Motive aus »Der große Gatsby«, auf dessen unzuverlässige Erzählperspektive und kritische Auseinandersetzung mit dem amerikanischen Traum.
Nella Larsen: Seitenwechsel (1929)
Nella Larsens »Seitenwechsel« ist ein Schlüsselroman der Harlem Renaissance und besticht durch seine psychologische Feinzeichnung sowie eine elegante, zurückhaltende Sprache, die Spannungen eher andeutet als ausspricht. Der Roman handelt von der Wiederbegegnung der Kindheitsfreundinnen Irene Redfield und Clare Kendry. Während Irene als Schwarze lebt, gibt sich Clare erfolgreich als Weiße aus. Ihre erneute Annäherung setzt einen Konflikt aus Begehren, Loyalität und sozialem Druck in Gang, der tragisch endet.
Larsen wirft in diesem präzise beobachteten und subtil erzählten Skandalroman Fragen nach Identität und Zugehörigkeit auf und hinterfragt die gesellschaftliche Konstruktion von »Rasse« und Geschlecht, ohne eindeutige Antworten zu liefern. Larsens Roman wurde erst Jahrzehnte nach seinem Erscheinen wiederentdeckt und gilt seither als Klassiker seiner Zeit. Er beeinflusste Autorinnen wie Toni Morrison, Brit Bennett, Gayl Jones oder Jesmyn Ward, die die von Larsen aufgeworfenen Fragen in ihren Werken weiterentwickelten. »Seitenwechsel« wurde 2011 und zehn Jahre später erneut in der tollen Übersetzung von Adelheid Dormagen neu aufgelegt.
John Dos Passos: USA-Trilogie (1930-1936)
»Das 20. Jahrhundert wird ein amerikanisches sein. Amerikanische Gedanken werden es gestalten. Amerikanischer Fortschritt wird ihm Farbe und Richtung geben. Amerikanische Taten werden ihm Glanz verleihen«, prophezeit Senator Albert J. Beveridge in John Dos Passos »Die USA-Trilogie«. Es ist das Werk eines Mannes, der noch die Schlachtfelder des Ersten Weltkriegs mit eigenen Augen gesehen hat, der die Zerwürfnisse der einziehenden Moderne an vielen Ecken der Welt erlebt und den Aufstieg der USA als imperiale und vom Kapital geleitete Weltmacht begleitet hat. All das spiegelt sich auf den 1.600 Seiten der drei Romane, die das Porträt einer Gesellschaft im permanenten Wandel bilden.
Die Erzählung folgt einem guten Dutzend Figuren aus allen sozialen Schichten, die hier das Wort ergreifen. Die USA sei schließlich »das gesprochene Wort der Menschen«. Ergänzt werden diese Wortmeldungen von Porträts herausragender Persönlichkeiten aus Politik und Gesellschaft, von Wochenschauen, in denen Presseschnipsel zu Realitätsausschnitten neu arrangiert werden, und von den Kommentierungen des Autors. Lawrence Ferlinghetti bezeichnete das Verfahren einmal als »Dekonstruktion oder Rekonstruktion der Geschichte«, die Dirk van Gunsteren und Nikolaus Stingl preisverdächtig neu übersetzt haben.
Zora Neale Hurston: Vor ihren Augen sahen sie Gott (1937)
Nach Nella Larsens Schlüsselroman der Harlem Renaissance darf Zora Neale Hurstons Roman »Vor ihren Augen sahen sie Gott« nicht fehlen. Er gilt als Höhepunkt der Harlem Renaissance, der poetische Sprachkraft mit ethnografischer Genauigkeit verbindet. Hurston erzählt darin von Janie Crawfords Lebens- und Leidensweg durch drei Ehen, in denen sie Enttäuschung und Unterdrückung, aber auch Glück und persönliche Freiheit erfährt. Schritt für Schritt löst sich Janie von den Erwartungen ihrer Umwelt löst und lernt, ihrer inneren Stimme zu vertrauen.
Der Roman, von Hans-Ulrich Möhring vor knapp 15 Jahren ins Deutsche gebracht, beeindruckt vor allem stilistisch. Kunstvoll wechselt die Autorin zwischen lyrischer Erzählsprache und authentischen Dialogen im African American Vernacular English, der den Figuren Eigenständigkeit und kulturelle Tiefe verleiht. In den 1970er-Jahren wurde der Roman im Zuge des wachsenden Schwarzen Feminismus wiederentdeckt und zählt heute zu den Klassikern der US-amerikanischen Literatur. Er beeinflusste maßgeblich Autorinnen wie Alice Walker, die Hurstons Werk wieder bekannt machte, sowie Fran Ross und Toni Morrison, die ihre Verbindung von Sprachkunst, Schwarzer Lebenswelt und weiblicher Selbstermächtigung weiterentwickelten.
John Steinbeck: Früchte des Zorns (1939)
John Steinbecks Klassiker »Früchte des Zorns« ist Sozialroman, Familiensaga und politische Anklage in einem. Der Roman erzählt von der Familie Joad, die während der Großen Depression und im Zuge der Dust-Bowl-Katastrophe – einer Umwelt- und Wirtschaftskatastrophe infolge der Ausbeutung der Böden – ihre Farm in Oklahoma verliert und auf der Suche nach Arbeit nach Kalifornien zieht. Dort erleben die Joads Ausbeutung, Hunger und Ablehnung, aber auch Solidarität und gemeinschaftliche Verantwortung. Für den späteren Literaturnobelpreisträger Steinbeck war die Dust Bowl in den 30er Jahren ein Symbol für soziale Ungerechtigkeit.
In seinem Roman verbindet er die ökologische Krise mit der Kritik an einem Wirtschaftssystem, in dem Landarbeiter:innen trotz harter Arbeit in Armut leben. In einer poetischen und bildhaften Sprache machte Steinbeck die Not der Migrant:innen einem breiten Publikum bekannt und kurbelte eine gesellschaftliche Debatte über Arbeitsrechte und soziale Verantwortung an. »Früchte des Zorns«, zuletzt von Klaus Lambrecht übersetzt, macht individuelles Leid sichtbar und führt die strukturellen Ursachen von Armut, Ausbeutung und sozialer Ungleichheit vor Augen. Die Mischung aus politischem Engagement, Empathie und erzählerischer Kraft trug zur Auszeichnung mit dem Pulitzer-Preis bei. Sie verleiht diesem Kultroman seinen zeitlosen Charakter.
Ann Petry: The Street (1946)
Dreißig Jahre vor James Baldwin hat die afroamerikanische Autorin Ann Petry in Literatur gegossen, was es heißt, jung, schwarz und weiblich in einer amerikanischen Großstadt zu sein. Der handelt von einer jungen Frau, die erlebt, wie diese Straße von ihrem Leben Besitz ergreift, wie sie Diskriminierung erlebt und daran zugrunde geht. Ein Schicksalsschlag führt sie in eine Straße, in der niemand sehr lang wohnt und anständig bleibt, wie es im Roman heißt. »Früher oder später schafft sie jeden, denn sie saugt den Leuten die Menschlichkeit aus, langsam, sicher, unausweichlich.«
Petrys Roman hat alles, was ein Klassiker braucht, da er von einer frappierenden Universalität ist. Der Alltagsrassismus gegenüber der schwarzen Bevölkerung, der Masochismus der Nachkriegsgesellschaft und die Folgen der Klassengesellschaft begegnen einem gleichermaßen konkret wie allgemeingültig. Zugleich gelingt es Petry, die Perspektive zu drehen und zu zeigen, wie die Abwertung von Menschen psychologisch funktioniert. Uda Strätling hat den Roman vor wenigen Jahren hinreissend mündlich neu übersetzt, die Lektüre ihrer deutschen Fassung ist ein Genuss.
Ralph Ellison: Der unsichtbare Mann (1952)
Ralph Ellison hat mit der Geschichte seines »Invisible Man« ein Schlüsselwerk der amerikanischen Nachkriegsliteratur verfasst. Sein ebenso politischer wie existenzieller Roman, ausgezeichnet mit dem National Book Award, erzählt die Geschichte des namenlosen Erzählers, der sich für unsichtbar hält. Aus dem hell beleuchteten Keller eines New Yorker Gebäudes heraus erzählt er im Rückblick seine Geschichte. Als junger Schwarzer Mann aus dem Süden der USA erfährt er in der Uni, im Job, im Krankenhaus und in der Bürgerrechtsbewegung Ausgrenzung und Ignoranz.
Im Grunde geht es im Roman die ganze Zeit darum, zu beschreiben, was nicht zu sehen und damit nicht beschrieben werden kann, um »das Wirkliche« und »das Unwirkliche«. Die vermeintliche Unsichtbarkeit des Protagonisten ist keine körperliche Eigenschaft, sondern ein Symbol für die verweigerte Anerkennung der Figur durch die rassistisch geprägte, amerikanische Gesellschaft. Von »Der unsichtbare Mann«, zuletzt von Georg Goyert und Hans-Christian Oeser übersetzt, ging eine Signalwirkung aus, die von James Baldwin über Toni Morrison bis hin zu Colson Whitehead reicht.
Ernest Hemingway: Der alte Mann und das Meer (1952)
Ernest Hemingways 1953 mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Erzählung »Der alte Mann und das Meer« handelt vom alten kubanischen Fischer Santiago, der nach langer erfolgloser Zeit allein aufs Meer hinausfährt und einen riesigen Marlin fängt. Im tagelangen Kampf mit dem Fisch beweist er seine körperliche und geistige Stärke, am Ende verliert er die Beute jedoch auf der Rückfahrt an das Meer.
Das Geheimnis von Hemingways fulminantem Gleichnis über die menschliche Würde und die Grenzen seiner Existenz liegt aber unter seiner erzählerischen Oberfläche. Denn unter der scheinbar einfachen Sprache verbergen sich tiefe emotionale, gesellschaftskritische und philosophische Fragen, die den inneren Kampf von Santiago, aber auch den des Autors mit sich selbst abbilden. Hemingways Novelle weist klare Bezüge zu Herman Melvilles »Moby Dick« auf, ihre dichte Erzählung beeinflusste wiederum Schriftsteller wie Cormac McCarthy, Raymond Carver, Kazuo Ishiguro oder Paul Lynch. Bis heute gilt der Roman, den zuletzt Werner Schmitz neu übersetzt hat, als Beispiel dafür, wie große existenzielle Fragen mit minimalen sprachlichen Mitteln gestaltet werden können.
Harper Lee: Wer die Nachtigall stört (1960)
Lange galt Harper Lees 1961 mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneter Kultroman »Wer die Nachtigall stört…« als erfolgreichstes One-Hit-Wonder der Literaturgeschichte, bis 2015 mit »Gehe hin, und stelle einen Wächter« ein Frühwerk der Autorin aufgetaucht ist. In beiden Romanen ist der US-Amerikanerin ein ergreifendes Sittengemälde ihrer Zeit gelungen, indem sie, ausgehend von den Verhältnissen im Süden der USA der 1930er Jahre, ein packendes Plädoyer gegen den sie umgebenden Rassismus und für die Gleichheit aller Menschen hält.
Aus der rückblickenden Perspektive der jungen Scout, die auf einen Gerichtsprozess und den von ihrem Vater verteidigten Angeklagten erinnert, verbindet Lee einen scheinbar schlichten, zugleich hochpräzisen Erzählstil mit moralischer Komplexität. Die kindliche Sicht legt Vorurteile, Rassismus und soziale Hierarchien des amerikanischen Südens schonungslos offen, ohne ihre Figuren auf eindeutige Rollen festzulegen. Lees Roman zählt zu den einflussreichsten Romanen des 20. Jahrhunderts, bis heute prägt er Debatten über Gerechtigkeit, Zivilcourage und strukturelle Diskriminierung. Sein Einfluss reicht weit, viele indigene Autor:innen greifen seine Herangehensweise auf, entwickeln diese jedoch aus dezidiert indigenen Perspektiven weiter.
Navarre Scott Momaday: Haus aus Morgendämmerung (1968)
So wie Navarre Scott Momady in seiner Geschichte vom »Haus aus Morgendämmerung«, nur noch antiquarisch in der Übertragung von Jochen Eggert erhältlich, mit der er 1969 als erster indigener Autor den Pulitzer-Preis gewann. Auch sein Roman setzt sich mit Fragen der Ausgrenzung und der Gerechtigkeit auseinander, aber aus einer dezidiert indigenen Perspektive. Sprache, Mythologie, Landschaft und mündliche Erzähltraditionen werden so selbst zum Kern des Romans, der nicht Fragen individueller Moral, sondern kultureller Identität und kollektiver Erinnerung aufwirft. Er gilt deshalb als Schlüsselwerk der modernen indigenen Literatur und markiert den Beginn der sogenannten Native American Renaissance.
Der Roman erzählt von Abel, einem jungen Pueblo-Veteranen, der nach dem Zweiten Weltkrieg zwischen traditioneller Stammeskultur und westlich geprägter Gesellschaft nach Identität und Zugehörigkeit sucht. N. Scott Momaday verbindet diese individuelle Geschichte mit einer tiefgreifenden, poetischen und vielschichtigen Reflexion über Erinnerung, Sprache und kulturelle Kontinuität. Auch stilistisch ging Momaday neue Wege, statt einer linearen Handlung nutzte er fragmentarische Perspektiven, Zeitsprünge sowie die Einbindung mündlicher Überlieferungen, Mythen und Rituale. Bis heute prägt »Haus der Morgendämmerung« nicht nur die indigene Gegenwartsliteratur (von Ken Kesey bis Louise Erdrich), weil er indigene Erfahrungen als eigenständige literarische Perspektive etablierte.
Thomas Pynchon: Die Enden der Parabel (1973)
Thomas Pynchon meidet seit 1953 strikt die Öffentlichkeit, seinem Ruf als lebende Legende der postmodernen Amerikanischen Literatur schadet das nicht. Der Ruf gründet nicht wenig auf seinem 1974 mit dem National Book Award ausgezeichneten Opus Magnum »Die Enden der Parabel«, das keine geringere als Elfriede Jelinek – die 2004 kommentierte: »Ich kann doch den Nobelpreis nicht kriegen, wenn Pynchon ihn nicht hat!« – gemeinsam mit Thomas Piltz übersetzt hat.
Die Erzählung kreist vage um den Raketenkrieg und den Niedergang des Dritten Reiches. Pynchons Erzähler betrachtet dabei vor allem die Ereignisse rund um den sexsüchtigen GI Tyrone Slothrop, dessen Libido irgendwie mit den Einschlägen der deutschen V2-Raketen in Verbindung steht. Als er diesem Rätsel nach Kriegsende in Deutschland nachspürt, trifft er nicht nur auf Täter und Opfer, sondern auch auf die Profiteure und Manipulationskünstler, die die ebenso gesetzlose wie sinnentleerte Nachkriegsgesellschaft prägen. Pynchon trieb hier die literarische Verschlüsselung auf die Spitze, indem er Traum- und Wahnvorstellungen mit den für die damalige Zeit typischen Mitteln von Hypnose, Bestrahlung und Intoxikation kreuzte. Wie sehr das unter die Haut geht, muss man selbst lesen oder im Hörspiel des SWR akustisch erfahren.
Leslie Marmon Silko: Gestohlenes Land wird ihre Herzen fressen (1977)
Leslie Marmon Silkos Roman »Ceremony« (die Übersetzung von Ana Maria Brock trägt den umständlichen Titel »Gestohlenes Land wird ihre Herzen fressen«) ist ein wegweisender Roman der Native American Renaissance und setzt sich tiefgründig mit Fragen der Erinnerung, Heilung und kulturellen Identität des indigenen Volkes der Laguna auseinander.
Der Roman erzählt von Tayo, einem jungen Laguna-Pueblo-Mann, der nach seinem Einsatz im Zweiten Weltkrieg traumatisiert in seine Heimat zurückkehrt. Er hat im Südpazifik seinen Halbbruder sterben sehen und war an der Hinrichtung japanischer Kriegsgefangener beteiligt. Die klassische Medizin kann sein Leiden an den Folgen kolonialer Gewalt nicht heilen, erst die traditionellen Zeremonien seiner Gemeinschaft mit mit Sandmalereien und Gebetshölzern können seine Qualen lindern. Tayos Genesung verbindet die indigene Schriftstellerin Leslie Marmon Silko mit der Erneuerung eines aus dem Gleichgewicht geratenen Verhältnisses zwischen Mensch, Natur und Geschichte. Dabei greifen Mythen und Gedichte, Rituale und Prosa ineinander und erzeugen eine kreisförmige Erzählstruktur, in der Vergangenheit und Gegenwart miteinander verbunden sind.
Ursula K. Le Guin: Immer nach Hause (1985)
Ursula K. Le Guins »Immer nach Hause« ist ein literarischer Solitär, der in Form eines anthropologischen Berichts über ein imaginäres indigenes Volk daherkommt, das in einer fernen Zukunft in Kalifornien lebt. Der erstmals von Karen Nölle, Matthias Fersterer und Helmut W. Pesch fulminant übersetzte Tanz am Rande der Welt verwischt die Übergänge zwischen Dokumentation und Fiktion, Anthropologie und Literatur, Biografie und Werk sowie Vergangenheit und Zukunft. Le Guin lässt in ihrer postapokalyptischen »Archäologie der Zukunft« Tiere und Pflanzen sprechen und webt aus überlieferten Gesängen und Gedichten, Ritualen und Glaubenslehren, Natur- und ethnografischen Beobachtungen einen epischen Flickenteppich, der die Bühne für die einzelnen Erzählsteine dieses Romans bildet.
»Immer nach Hause« ist keine lineare Erzählung, sondern besteht aus Haupt- und Nebenerzählungen, die nur lose miteinander verbunden sind. Ein Roman wie eine Wundertüte, der sich permanent der Lektüre entzieht und gerade dadurch eine unheimliche Anziehungskraft entfaltet. Die preisgekrönte SciFi-Autorin wurde zu Lebzeiten verkannt, inzwischen gilt sie als eine der bedeutendsten amerikanischen Schriftsteller:innen des 20. Jahrhunderts, die mit ihrem Werk u.a. William S. Burroughs, Salman Rushdie, Jonathan Lethem, Zadie Smith oder Michael Chabon beeinflusst hat. »Immer nach Hause« ist ihr funkelndes Opus Magnum.
Toni Morrison: Beloved (1987)
»Die 124 war boshaft«, mit dieser kryptischen Zeile beginnt Toni Morrisons Roman »Beloved«, der im deutschsprachigen Raum lange unter dem Titel »Menschenkind« vorlag. Da weiß man noch nicht, dass in der Bluestone Road 124 ein widerspenstiger Geist sein Unwesen treibt. Doch schon drei Sätze später erfahren wir, dass es wohl Sethe’s Tochter Denver ist, die da das Spuken nicht lassen kann. Denn auf ihrem Grab steht statt ihres Namens nur ein Wort, denn hinter ihrem Tod verbirgt sich ein dunkles Geheimnis.
Toni Morrisons bekanntester Roman, 1988 mit dem National Book Award und dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet, trägt in der Neuübersetzung von Tanja Handels nun auch nur dieses eine Wort auf dem Titel. Es ist ein vielsagendes Ausrufezeichen für dieses Werk, das wesentlich zu Morrisons Auszeichnung mit dem Literaturnobelpreis beigetragen hat. »Beloved« bündelt Morrisons intensive Auseinandersetzung mit der Sklaverei, dem amerikanischen Rassismus, mit familiärem Trauma und der Frage der individuellen und gesellschaftlichen Identitäten. Der Roman verbindet Elemente des realistischen Gesellschaftsromans mit denen des romantischen Geisterromans, um die nachhaltige Wirkung der Vergangenheit in der erzählten Gegenwart vor Augen zu führen. Die literarische Kraft des Romans ist stilbildend für ein Werk, in dessen Mittelpunkt das Schicksal des Menschen, vor allem des weiblichen Menschen, und das Vermächtnis der Sprache steht.
Sherman Alexie: The Lone Ranger and Tonto Fistfight in Heaven (1993)
Sherman Alexies »The Lone Ranger and Tonto Fistfight in Heaven« ist ein Meilenstein der zeitgenössischen indigenen Literatur. In diesem verflochtenen Erzählzyklus lassen skurrile Figuren und wiederkehrenden Motive ein vielstimmiges Bild des Lebens im nordamerikanischen Spokane-Reservat entstehen. Die Geschichten folgen dem raubeinigen Victor Joseph und dem einfühlsamen Thomas Builds-the-Fire, deren Freundschaft von Verlust, Erinnerungen und der Suche nach Identität geprägt ist. Während Victor mit dem Alkohol und dem Tod seines Vaters kämpft, verkörpert Thomas das kulturelle Gedächtnis seines Volkes. Als ungleiches Paar stehen sie im Mittelpunkt dieser kaleidoskopischen Erzählung über Zugehörigkeit, Hoffnung und Überleben.
Alexie dreht mit scharfem Witz, lakonischen Dialogen und überraschenden Wechseln zwischen Komik und Tragik an den Perspektiven und erzählt von Armut, Alkoholismus und familiären Brüchen als Folge des amerikanischen Siedlerkolonialismus, ohne seine Figuren zu Opfern zu machen. Alexies Mix aus indigenen Erzähltraditionen, magischem Realismus und popkulturellen Verweisen erinnert an Dennis Johnson und hat Autor:innen wie Tommy Orange und Terese Marie Mailhot inspiriert, die seinen ernst-satirischen Ansatz perfektioniert haben. Regina Rawlinson hat 1998 eine Übersetzung unter dem Titel der Romanverfilmung »Smoke Signals« vorgelegt.
David Foster Wallace: Unendlicher Spaß (1996)
»Unendlicher Spaß« ist kein Roman, sondern ein Ungetüm und Sprachkunstwerk, dass seine Leser:innen ebenso fordert wie belohnt. Die auf über 1.500 Seiten ausgeweitete Sinnsuche von Figuren wie Hal Incandenza und Don Gately bildet so etwas wie die gewichtige Grabplatte der Postmoderne. Die Handlung spielt in einer nahen Zukunft, in der Teile Nordamerikas politisch neu organisiert sind und der Alltag ökonomisch maximal ausgebeutet ist. Selbst die Kalenderjahre sind hier nach Sponsoren benannt. David Foster Wallace (DFW) erschließt in diesem Großwerk Elemente des Campusromans, der Satire, des Thrillers, der Science-Fiction und des Familienromans für die »Great American Novel«, um das Bermuda-Dreieck zwischen Sucht, Einsamkeit und Unterhaltung zu erkunden.
Die Handlung führt auf den Tennisplatz und in Entzugskliniken, in den Kinosaal wie auf die Straße. Überall bedient sich DFW der sprachlichen Eigenheiten, seine Satzkaskaden stecken voller Sprachwitz und Fachjargon. Ulrich Blumenbach hat die ständig zwischen Präzision und Übertreibung changierende Prosa mit groteskem Humor und unwiderstehlichem Punch ins Deutsche gebracht. Seine mit dem Preis der Leipziger Buchmesse ausgezeichnete Fassung ist bis in die über 400 Fußnoten hinein ein magisches Zauberwerk, das mit der Distanz und Ironie der Postmoderne spielt und sie zugleich hinter sich lässt, um ohne Rücksicht auf den eigenen Schmerz die Frage zu diskutieren, wie wir in einer von Konsum und Unterhaltung beherrschten Kultur ein authentisches Leben führen können.
Das 21. Jahrhundert
Jonathan Franzen: Die Korrekturen (2001)
Jonathan Franzens großes amerikanisches Gesellschaftspanorama markiert zugleich seinen literarischen Durchbruch, dem einige weitere voluminöse »Great American Novels« folgen sollten. Die Handlung folgt den Schicksalen der Mitglieder der Familie Lambert, deren erwachsene Kinder – ein erfolgreicher Banker, ein gescheiterter Literaturprofessor und eine Starköchin – berufliche Krisen, scheiternde Beziehungen und persönliche Herausforderungen durchleben. Familienoberhaupt Alfred leidet an Parkinson und Demenz, seine Frau Enid hofft auf ein letztes gemeinsames Weihnachtsfest mit den Kindern. Das Weihnachtsfest wird für alle zum Anlass, sich den verdrängten Konflikten, eigenen Schuldgefühlen und unerfüllten Erwartungen zu stellen.
Franzens 2001 mit dem National Book Award ausgezeichneter Roman besticht vor allem in seiner psychologischen Präzision. In klaren, mit satirischer Schärfe gewürzten Sätzen gelingt es dem Amerikaner, die Linien zwischen dem Familienkonflikt, der gesellschaftlichen Anspannung und wirtschaftlichen Lage der Nation zu ziehen. Der Roman wirft die Frage auf, ob Menschen ihr Leben, Familien ihre Geschichte und Gesellschaften ihr Miteinander tatsächlich »korrigieren« können. »Die Korrekturen« ist einer der einflussreichsten amerikanischen Gegenwartsromane, der entscheidend zur Renaissance des realistischen Familien- und Gesellschaftsromans beitrug und sich dank der eleganten Übersetzung von Bettina Abarbanell auch hierzulande großer Beliebtheit erfreut.
Junot Díaz: Das kurze wundersame Leben des Oscar Wao (2007)
Dieser außergewöhnliche Roman über Identität, Migration und die langen Schatten der Geschichte verbindet Familienchronik, Liebesgeschichte, Diktaturroman und Coming-of-Age-Erzählung in einem vielstimmigen Werk, das die Erfahrung der dominikanischen Diaspora in den USA neu definiert. Im Mittelpunkt von Junot Diaz 2008 mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Roman steht der literaturbegeisterte und leider auch etwas übergewichtige Oscar de León, der von Liebe und Anerkennung träumt. Das alles wird von einem ehemaligen Freund Oscars erzählt, der nicht nur das Leben des jungen Dominikaner-Amerikaners auffächert, sondern die Geschichte seiner Familie zurückverfolgt bis in die Dominikanische Republik unter der brutalen Diktatur von Rafael Trujillo. Den seit dessen Regierung scheint ein Fluch über der Familie zu liegen.
Diaz von Eva Kemper übersetzte Parabel über generationsübergreifende Traumata ist eine Familien und Kolonialgeschichte, in der Unterdrückung und Gewalt eine ebenso große Rolle spielen wie die Hoffnung auf ein besseres Leben. Diese leuchtet auch durch die mit popkulturellen Anspielungen gespickte Sprache, die zeigt, wie sich die Figuren zwischen den verschiedenen Welten, die sie prägen, bewegen. Díaz war einer der ersten, der über Mehrsprachigkeit und diasporische Identitäten schrieb, Autor:innen wie Valeria Luiselli, Carmen Maria Machado oder Ocean Vuong traten in seine Spuren.
Colson Whitehead: Underground Railroad (2016)
Colson Whitehead erhielt für seinen Roman »Underground Railroad« nicht nur den National Book Award 2016, sondern 2017 auch den ersten von zwei Pulitzer-Preisen. Darin greift er die Geschichte der Underground Railroad an, dem geheimen Netzwerk aus Fluchtwegen und Fluchthäusern, über das zahlreiche versklavte Menschen im 19. Jahrhundert den Weg aus den Südstaaten und damit aus der Gefangenschaft weißer Großgrundbesitzer gefunden haben. Der Roman folgt Cora, einer versklavten jungen Frau auf einer Plantage in Georgia, die gemeinsam mit Caesar aus dem Süden flieht. Auf ihrer Reise durch verschiedene Bundesstaaten erlebt sie unterschiedliche Formen von Unterdrückung und Rassismus, die jeweils eigene Facetten der amerikanischen Geschichte sichtbar machen.
Whitehead verwandelt in seinem Roman die Geschichte der Sklaverei in eine literarische Parabel über Rassismus, Gewalt und die anhaltende Wirkung historischer Traumata. Stilistisch besticht der eindringliche Roman in seiner historischen Genauigkeit, die Whitehead wieder surreal verfremdet. Etwa indem er das historische Netzwerk aus Helfern mit einem echten Schienensystem erweitert. »Underground Railroad« ist ein Höhepunkt der US-amerikanischen Literatur und hat die öffentliche Auseinandersetzung mit der Geschichte der Versklavung und ihren Folgen neu belebt.
George Saunders: Lincoln im Bardo (2017)
Am Tag des Sieges der Unionisten in Fort Donelson wurde Willie Lincoln, der elfjährige Sohn von Präsident Abraham Lincoln, zu Grabe getragen. Lincoln soll, so ist es historisch belegt, seinen geliebten Sohn danach nächtelang in der Familiengruft aufgesucht haben, bis die Besuche von einem Tag auf den anderen aufhörten. Was macht ein zu Tode betrübter Vater bei seinem erkalteten Sohn? Dieser Frage geht George Saunders in seinem mehrfach ausgezeichneten Roman »Lincoln im Bardo« nach.
Für diesen halb gruseligen, halb fantastischen Plot hat Saunders »regalmeterweise Lincoln-Literatur gelesen, Zitate notiert, einen Zettelkasten angelegt«, schilderte sein Übersetzer Frank Heibert (der auch die wesentlichen Romane von Don DeLillo übersetzt hat) zum Erscheinen der deutschen Ausgabe den Schreibprozess. Das Ergebnis ist eine Collage historisch verbürgter Aussagen, dokumentierter Beobachtungen und erfundener Kommentare. Auf diese Weise bekommen über 160 verschiedene Figuren eine Bühne, die die Besuche des Präsidenten in der Gruft kommentieren oder den Geist des Sohnes überreden wollen, aus der Zwischenwelt der Untoten in das ewige Reich einzuziehen. »Lincoln im Bardo« ist ein literarisches Meisterwerk und ein einzigartiges Dokument des Menschlichen inmitten hochpolitischer Zeiten.
Ocean Vuong: Auf Erden sind wir kurz grandios (2020)
Ocean Vuongs Roman »Auf Erden sind wir kurz grandios« ist nicht nur ein herausragendes Beispiel der starken migrantisch geprägten US-Literatur dieser Tage, sondern auch für die neue Aufrichtigkeit der postpostmodernen Literatur, die David Foster Wallace in den Neunzigern einläutete. Vuong verbindet in seinem literarischen Debüt autobiografische Elemente mit poetischer Reflexion, um eine Geschichte über Herkunft, Erinnerung und die Suche nach der eigenen Stimme zu erzählen.
»Auf Erden sind wir kurz grandios« ist als Brief des jungen Little Dog an seine Mutter angelegt, die als Kind eines amerikanischen Krieges in der Fremde gelandet und nie richtig angekommen ist. Er erzählt von seiner Kindheit in einer vietnamesisch-amerikanischen Familie in Connecticut, von Armut und häuslicher Gewalt, vom Vietnamkrieg und seinem Weg hinaus aus der allgegenwärtigen Gewalt. Vuongs Roman ist vor allem aufgrund seiner poetischen Verdichtung – auch in der Übersetzung von Anne-Kristin Mittag – eine Sensation. Rhythmus und Sprachspiel verleihen dem Text nicht nur eine lyrische Intensität, sondern machen ihn zu einem Ort der Sicherheit und Wärme. Vuongs Roman steht exemplarisch für eine neue Generation amerikanischer Literatur, in der Migration nicht nur als Verlustgeschichte, sondern als komplexe Erfahrung von Sprache, Zugehörigkeit und Selbsterschaffung erzählt wird.
Hernan Díaz: Treue (2023)
Schon mit seinem ersten Roman »In der Ferne« sorgte Hernan Díaz für begeisterte Kritiken, sein zweiter Roman ging dann gleich durch die Decke. Neben hymnischen Besprechungen brachte ihm seine Geschichte des fiktiven Finanzmagnaten Benjamin Rask, der in den 1920er Jahren an der New Yorker Börse handelt und ein riesiges Vermögen aufbaut den Pulitzer-Preis ein. Im Kern ist der Roman eine Geschichte über Liebe in Zeiten des Kapitalismus.
Díaz erzählt sie in vier stilistisch völlig unterschiedlichen Teilen. Die Basis seines Romans bildet ein 1938 erschienener Roman über eben jenen Spekulanten Benjamin Rask und seine psychisch kranke Frau Helen. Diese Geschichte wird mit den Memoiren von Andrew Bevel, einem echten Börsenmakler, verflochten, die sich zum Verwechseln ähnlich sind. Die anderen beiden Teile bestehen aus den Erinnerungen einer Journalistin, die mit Bevel zusammengearbeitet haben soll, und dem in einer Nervenklinik verfassten Tagebuch von Helen Rask.
Díaz erzählt so nicht einfach eine Geschichte, sondern untersucht, wie Geschichten entstehen, wer sie kontrolliert und wem man glauben kann. »Treue«, von Hannes Meyer mitreißend übersetzt, verknüpft ein längst untergegangenes Amerika mit der kalten Finanzwelt der Gegenwart und hinterfragt die Mythen der amerikanischen Selfmade-Kultur. Wurde in »Der große Gatsby« noch der Glanz und die Leere der amerikanischen Oberschicht gezeigt, hinterfragt Díaz dieses Bild und seine Entstehung aus sich selbst heraus und gab so der »Great American Novel« einen neuen Spin.